Compositore, operatore culturale e scrittore, Luis Codera Puzo ha dedicato anni alla musica e allo spirito collettivo che da essa nasce. Le sue opere si concentrano sulla ricerca di idee specifiche e inequivocabili, che spesso derivano dal suo lavoro con l’elettronica.
Godere di una grande libertà artistica, come nel suo caso, richiede uno studio attento e disciplinato, come Codera Puzo spiega in numerosi articoli. In questo contesto trovano spazio la chitarra elettrica, spesso in primo piano in gran parte della sua musica, e il sintetizzatore modulare, al centro del suo processo creativo.
In questa intervista verranno affrontati tutti questi temi, approfondendo quanto finora è emerso dal catalogo del compositore catalano.
La tua carriera e il tuo lavoro sono molto ampi, ma iniziamo con una domanda concreta di grande interesse per Obiettivo Contemporaneo. Com’è stato il tuo percorso di apprendimento con la chitarra elettrica? Perché ti interessa questo strumento in particolare e puoi dirci se hai chitarristi elettrici o acustici preferiti?
Il mio rapporto con la chitarra è stato molto irregolare. Ho iniziato da autodidatta e poi ho studiato con diversi insegnanti di jazz e rock, per poi smettere di suonare. Anni dopo ci sono tornato e ho iniziato a trovare la mia identità con lo strumento man mano che maturavo come compositore. Il mio percorso come chitarrista è stato legato all’imparare ad ascoltare e immaginare la musica e a definire le idee che volevo esprimere, più che al passare ore con la chitarra sviluppando destrezza o tecnica. Ora temo di suonare qualsiasi musica peggio di qualche anno fa, ma spero di aver imparato a fare la musica che è solo mia in maniera più solida e singolare.
Continuando con la chitarra elettrica, diverse tue opere includono questo strumento, come π (2014), Las declinaciones (2021) e Discipline is happiness (2022). Parlaci di queste opere e di quali ruoli e materiali utilizzi sulla chitarra.
π e Discipline is happiness sono due pezzi da camera le cui differenze riflettono, soprattutto, i miei cambiamenti come compositore tra le fasi in cui sono stati scritti. Forse la più importante per il mio rapporto con lo strumento è stata Las declinaciones: un pezzo da solo che mi è costato moltissimo realizzare, rivedendolo più e più volte per molto tempo. È il punto più vicino che io sia stato allo strumento ed è definito da idee impossibili da immaginare senza quella vicinanza. C’è qualcosa lì che non appare in altre mie musiche, e lo apprezzo particolarmente per questo motivo.
In generale, il mio approccio alla chitarra include spesso il pedale del volume come elemento essenziale (a volte uno prima e uno dopo l’amplificatore, per la sua influenza sul gain della distorsione), l’uso continuo del ponte flottante e molti armonici. Suono con il plettro e attualmente mi sento vicino alla distorsione del VOX AC30. In contesti da camera con strumenti classici, per me è stato fondamentale curare il suono in relazione agli altri strumenti, soprattutto quando uso la distorsione, anche se gli altri strumenti sono anch’essi amplificati. Credo che alcune vecchie multipedaliere digitali abbiano fatto molto danno a molti concerti di musica classica contemporanea con chitarra elettrica. Un amplificatore e uno strumento acustico sono mondi diversi: partono da acustiche e contesti d’ascolto differenti, con comportamenti dinamici difficili da integrare. A volte temo che questo problema sia stato sottovalutato. Probabilmente è una mia mania personale, ma anche l’attacco del plettro mi sembra complicato da incastrare, e per questo spesso lo maschero con il pedale del volume.
La tua musica è molto strutturata e organizzata, questo non solo si sente, ma si può leggere anche nei titoli delle tue composizioni, come alcune già menzionate, ma anche in Kaolinite [Al2Si2O5(OH)4] quartet (2012) o Code is poetry (2020). Spiegaci le tue idee estetiche e come intendi questo aspetto “strutturalista”.
Curiosamente, non penso di solito in questi termini, ma trovo interessante che la mia musica possa essere percepita così. Forse ha a che fare con il fatto che mi interessa la chiarezza, e questo rende visibili le cuciture, le parti e i processi. O meglio: non li nasconde.
Per quanto riguarda la struttura o organizzazione, non uso pianificazioni su carta millimetrata né metodi simili; le decisioni si basano sull’immaginare o provare diversi scenari. Mi interessa scegliere in base a conseguenze reali, non a mitologie personali. Questo non esclude affatto un atteggiamento analitico né implica il classico pregiudizio anti-razionale. Al contrario: cerco sempre di processare, analizzare e articolare i motivi di ogni decisione (non saprei farlo altrimenti), ma ciò non toglie la necessità di immaginare in ogni momento cosa accade e decidere di conseguenza. Non lo vivo come processi separati (nemmeno nella vita).
Una faccia importante del tuo lavoro è stata quella di curatore e organizzatore, sia del CrossginLines Ensemble che del ciclo di concerti OUT·SIDE, tra gli altri. Spiegaci perché questi aspetti sono interessanti per te, al di là del tuo lavoro strettamente come compositore o musicista.
Sono anni che ho lasciato entrambi i progetti. Hanno reso possibili molte iniziative e la musica di diversi colleghi. Senza negare che programmare, per me, significhi scegliere e prendere decisioni secondo il proprio criterio, credo che questo lavoro consista soprattutto nel prestare attenzione agli altri, nell’ascoltare la musica altrui. Capire questo è molto utile per un compositore: di solito lavoriamo in dinamiche solitarie, e l’egocentrismo non è certo un’eccezione in questo ambito. Imparare ad ascoltare l’altro (cioè: ascoltare) e avvicinarsi ad altri modi di fare musica risulta estremamente fruttuoso.
Attualmente, il mio lavoro nella gestione si limita a un profilo più tecnico, assistendo al (fantastico) gruppo barcellonese FRAMES Percussion.
Un tratto molto originale del tuo profilo è che, oltre a tutto ciò che già fai, sei anche interprete di sintetizzatore in moltissimi contesti, sia da solo, con ensemble o persino con orchestra, come in MUR#03 eseguita dall’OBC (Orchestra Sinfonica di Barcellona e Nazionale di Catalogna) nel 2023. Parlaci di come è The Synthesizer in My Life (parafrasando The Viola in My Life di Morton Feldman), perché ti interessa e quali sono le tue idee musicali con questo strumento originale.
Il sintetizzatore modulare mi ha permesso di concepire la creazione musicale in maniera completamente diversa, aprendo un mondo che non ha nulla a che fare con quello che conoscevo. Mi ci sono voluti molti anni per imparare a usarlo fino a sentirmi pronto a integrarlo nella mia musica. È un universo enorme, altamente personalizzabile e, purtroppo, troppo sfruttato nella sua faccia più superficiale e apparentemente “cool”. L’orientamento che gli ho dato tramite la selezione dei moduli è centrato sulla performatività che, anche se può sembrare ovvia in uno strumento, non lo è necessariamente in questo ambito. Come con la chitarra, so fare con il mio strumento appena l’1% di tutto ciò che sarebbe possibile; il mio interesse è approfondire quell’1%.
Quali influenze e riferimenti ci sono nella tua musica e nel tuo lavoro in generale? L’uso ricorrente di chitarra elettrica e sintetizzatore ha una presenza importante nel tuo profilo, che ibrida il tuo lavoro con musiche elettroniche e musiche popolari contemporanee, anche se i tuoi studi rientrano nella tradizione classica. Parlaci di tutto questo.
La riflessione sulle tradizioni in cui siamo immersi mi interessa molto. L’inclusione di elementi popolari è sempre più comune nella nostra scena di musica classica attuale. Non ho nulla contro —sono elementi presenti più o meno visibilmente nella mia musica— ma mentre ci sono molte proposte interessanti che partono dalla nostra scena e si avvicinano alla musica popolare, altre mi stupiscono per non dimostrare un minimo di conoscenza su suono, equalizzazione, compressione, mixaggio o mastering. Mi dispiace essere duro, ma non capisco come persone capaci di mostrare una certa abilità in ambito classico possano poi fare un ridicolo così clamoroso in ambito popolare e accorgersene a malapena. C’è qualcosa di elitista nell’idea che la musica classica richieda tutta una vita di studio mentre quella popolare si apprende in pochi mesi. Probabilmente credono di lottare contro quell’elitismo, ma in realtà lo confermano. Essere consapevoli di questa situazione mi porta a temere che possa accadere lo stesso con i progetti in cui mi avventuro in quegli ambiti. Bisogna stare all’erta.
In relazione alla domanda precedente e dalla tua posizione di musicista versatile, curatore, programmatore, e considerando i tuoi numerosi scritti che evidenziano il tuo lavoro teorico, potresti inquadrare la tua musica in alcune correnti attuali o generi, o preferisci non farlo e la trovi più indipendente e personale? E in relazione a ciò, come vedi la situazione della musica di nuova creazione oggi? Ti interessa ciò che si sta sviluppando in questo momento o preferisci altre musiche di epoche o stili diversi?
Ho letto un libro delle Ediciones Contrechamps con interviste a compositori rilevanti della seconda metà del XX secolo e mi ha sorpreso che molti dicessero di non sentirsi identificati con la propria scena, pur essendo compositori molto riconosciuti. Inoltre, spesso sono gli artisti più facilmente incasellabili quelli che vogliono venderci l’idea che non si possano classificare. Ritengo che dovremmo diffidare di questi deliri secondo cui non apparteniamo a nulla e siamo unici.
Da parte mia, cerco di lasciarmi influenzare il più possibile; né temo né sento minacciata la mia libertà. Sapere a cosa apparteniamo ci dà più possibilità di sviluppare tratti singolari e individuali. Curiosamente, di tutto ciò che mi influenza, la cosa più determinante è stata ascoltare musica con attenzione. Alcuni ascolti sono stati molto più determinanti di gran parte delle lezioni individuali che ho ricevuto.
All’inizio mi sentivo più attratto da un polo germanico nella musica, anche se questo si è dissolto gradualmente. Negli ultimi anni, la mia musica si è orientata verso la chiarezza, evitando sovrapposizioni o accumuli, cercando nudità; credo che il minimalismo statunitense così come la musica di alcuni colleghi, come il compositore cileno Pedro Álvarez, abbia influenzato questo processo di “desornamentazione”. Questo processo è anche influenzato da musiche che contengono elementi che mi provocano rifiuto, “anti-influenze”, per così dire: mi dispiace la contemporanea della confusione, dell’accumulo senza piano, del riempire le battute e stare ai concerti senza capire lo scopo né perché quella musica sia necessaria. Questo rifiuto mi ha portato a cercare una certa nudità, forse in modo un po’ eccessivo, che il tempo riuscirà a temperare.
Sulla creazione attuale, consiglierei di diffidare di un compositore che inizi una critica negativa con la frase “la musica di oggi è…”. Spesso parlano delle proprie frustrazioni e della loro ambizione sempre insoddisfatta. Personalmente, mi preoccupa soprattutto non conoscere abbastanza musica di tutta quella che viene fatta; mi preoccupa anche la diminuzione del sostegno pubblico che stiamo vivendo, un tema essenziale per la nostra scena.
Mi interessa moltissimo ascoltare i miei colleghi, soprattutto dal vivo. Se qualcosa non mi è del tutto vicino —cosa non eccezionale— faccio il possibile per cercare di trovare senso in ciò che ascolto, per provare a imparare e trarne qualcosa, qualcosa di così pedagogico, tra l’altro, quanto essere implacabilmente critici, cosa che, d’altra parte, non si “spegne” mai del tutto. Dopo aver assistito a concerti, la mia testa è un brulichio. C’è qualcosa di estremamente fertile nell’ascolto.
Per concludere, se puoi, parlaci dei tuoi progetti futuri.
Ho appena ottenuto il finanziamento per un pezzo di elettronica multicanale, che sarà eseguito nei prossimi mesi in una foresta della Sierra di Huesca (e che successivamente avrà una versione con la foresta preregistrata). Realizzerò anche una versione ottofonica del mio pezzo Splendor. Nei prossimi mesi creerò inoltre un nuovo pezzo per pianoforte, sintetizzatore modulare, sampler e dispositivi elettronici, e un altro per oboe e sampler. Sarò anche impegnato a rivedere —eternamente— pezzi e a registrarli. A breve sarà pubblicata la registrazione di SUMMA#01 e SUMMA#02, due duo che quest’estate sono stati registrati in maniera straordinaria dai fantastici Duo Signal e Duet 2.26. Parallelamente, continuerò a tenere alcuni concerti in Spagna e Francia con il mio programma di sintetizzatore solo Las enumeraciones.
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