Con oltre 150 composizioni che spaziano tra diverse formazioni ed esplorano una vasta gamma di generi, la carriera di Sarah Nemtsov è al suo apice. Il suo è un linguaggio musicale costantemente modellato da una straordinaria varietà di influenze, che ne definiscono l’unicità. In questa conversazione, approfondiremo il suo interesse per la chitarra, soffermandoci sulle composizioni più significative del passato e sui suoi progetti futuri.
Sarah, grazie per aver accettato il nostro invito.
La tua passione per la composizione si è sviluppata parallelamente agli studi come interprete, durante i quali hai intrapreso una carriera come flautista ed oboista. In che modo il fatto di essere una performer ha influenzato il tuo processo creativo e compositivo?
Grazie! Essere una performer è stato estremamente importante. Anche se a volte sento che ho iniziato a comporre prima ancora di suonare veramente uno strumento (quasi come se il seme fosse già piantato), l’esperienza di fare musica è sempre stata alla base della mia scrittura. La mia prima insegnante di flauto dolce, Ilse Reil, è stata una musicista straordinaria. Mi ha insegnato lezioni fondamentali e ancora oggi ne traggo ispirazione quando compongo. Entrava sempre in profondità nella musica; nessuna nota doveva essere vuota, ma lasciava racchiudere in sé la necessità di condurre alla successiva. Praticavamo la tensione tra due note all’infinito, ma sempre con gioia. Ricordo come ci sedevamo l’una accanto all’altra, suonavamo insieme e ridevamo.
Hai iniziato a scrivere per chitarra classica ed elettrica tra il 2006 e il 2007, come dimostrano le tue composizioni per ensemble Communication – Lost – Found e Interludien. Come ti sei avvicinata a questo strumento e quali sfide hai incontrato?
Inizialmente è stato semplicemente per una commissione. Ero una studentessa e si trattava di una delle mie prime commissioni ufficiali per un ensemble giovanile di musica contemporanea di Berlino (diretto da Gerhard Scherer). Mi è sempre piaciuta la chitarra, ma non credo che avrei scritto per questo strumento se non fosse stato parte dell’ensemble. E ho commesso molti errori: scrivere in chiave di basso, includere accordi impossibili, e così via. Oggi possiamo semplicemente cercare su Google, ma all’epoca le cose erano diverse, almeno per me. Penso ancora che la chitarra sia uno degli strumenti più difficili per un compositore, insieme all’arpa. Con altri strumenti le cose tendono a funzionare più o meno, meglio o peggio, e a volte si può “barare” un po’. Ma la chitarra è spietata.
Nel corso degli anni, hai scritto numerosi brani che includono la chitarra in formazioni uniche. Penso a Orbits (2018) per quattro chitarre elettriche con scordatura e basso elettrico, Briefe.Puppen (2014) per chitarra elettrica e percussioni, e EMP (2023) per chitarra elettrica e violino amplificato. Cosa ti ha spinto a comporre per formazioni così particolari? Immagino che il tuo approccio debba essere stato completamente diverso rispetto alla scrittura per un ensemble.
Da un lato, penso di essere stata spinta dalle sfide specifiche che ho menzionato prima e dalle mie stesse difficoltà, come il desiderio di scalare una montagna e riuscirci. È un po’ un’ossessione: una volta che inizi, non riesci più a fermarti. Dall’altro, la chitarra—specialmente la chitarra elettrica con tutti i suoi effetti e le sue possibilità—è un paesaggio davvero ricco e vasto. È affascinante e mi sembra di aver esplorato solo un angolo di essa.
Quello che amo di questo strumento è la sua imprevedibilità. Quindi, anche quando scrivo musica molto dettagliata per la chitarra elettrica, c’è sempre spazio per l’interprete di portare la propria voce e il proprio approccio. Questo sembra un dono: una forma di comunicazione che spesso porta a sorprese meravigliose.
Ovviamente, ogni contesto è diverso e la chitarra ha un ruolo unico in ogni pezzo. Ad esempio, in MOOS, la chitarra è concettualmente un elemento estraneo, come parte di diversi gruppi di musicisti all’interno dell’ensemble. Ma dal punto di vista musicale, il suo ruolo dipende completamente dal momento. È sempre diverso con ogni pezzo. La chitarra diventa un collante per l’ensemble, una luce particolare che illumina gli altri, o addirittura solo un satellite che orbita intorno a tutto.
In alcune composizioni, la chitarra elettrica è un elemento centrale da cui tutto evolve. In EMP, per chitarra elettrica e violino amplificato—scritto per Yaron Deutsch e Irvine Arditti—la chitarra elettrica diventa un violino e il violino diventa una chitarra.
Il tuo stile cerca spesso suoni che si ripetono e contrastano, creando loop e strutture caotiche. In questo contesto, la chitarra elettrica (o la chitarra acustica e il basso elettrico, strumenti che usi frequentemente) si adatta perfettamente, grazie a effetti come distorsione, freeze, octaver, e-bow, chorus e delay. Con così tanti effetti disponibili, a volte diventa difficile orientarsi. Come hai condotto la tua ricerca per familiarizzare con uno strumento così versatile?
Trovo affascinanti gli effetti, perché ciascuno è un mondo a sé e combinarli non è mai una semplice somma, apre nuove potenzialità. Mi piace anche l’imprevedibilità, soprattutto con i dispositivi analogici. Ho una piccola collezione di pedali ed effetti, ma lavorare direttamente con i musicisti è fondamentale. Quella collaborazione pratica è dove la mia esperienza cresce e dove le radici della mia immaginazione prendono piede.
Per me è sempre essenziale concentrarsi e prendere decisioni in anticipo—una volta che ho un’idea più chiara di ciò che voglio che il pezzo raggiunga—su ciò che è veramente necessario. Da lì, preferisco esplorare in profondità all’interno di quei confini piuttosto che aggiungere continuamente nuovi elementi.
Per quanto riguarda i loop: sì, ci sono dei loop nella mia musica a volte, ma non definirei la mia musica come basata su loop. Al contrario, specialmente negli ultimi anni, ho cercato di costruire frasi più lunghe o percorsi che evolvono in modi inaspettati. Il paesaggio cambia, la linea diventa interrotta, la direzione si corrompe, e a volte diventa anche bloccata in un loop. Ma un loop può anche essere qualcos’altro completamente: una manifestazione di gioia, di danza, uno stato di trance o una soglia di cambiamento.
Nel corso degli anni, hai costruito una solida relazione con gli interpreti. È il caso di Seth Josel, dedicatario e interprete di diverse opere, tra cui la già citata Briefe.Puppen (2014), così come verflucht (2019), un’operetta con chitarra acustica, e l’opera Sacrifice (2017). Un altro esempio è Yaron Deutsch, con cui hai collaborato sulla tetralogia TZIMTZUM (2020–2023), scritta per Ensemble Nikel e con la partecipazione di un’orchestra. Quanto è importante il ruolo dell’interprete nella tua musica?
Il ruolo dell’interprete è incredibilmente importante. Imparo tantissimo da loro, e questo vale per molti strumenti e musicisti. Non è solo la loro conoscenza, la loro virtuosità e creatività come musicisti che mi ispirano e mi lasciano senza parole, ma anche la loro personalità—sia nella musica che nella vita. La loro individualità ispira le mie composizioni e crea una connessione più profonda.
Le opere che scrivo sono anche un po’ le loro. Questo non significa che i pezzi non possano essere eseguiti da altri successivamente, ma non avrei mai potuto scrivere queste composizioni senza gli specifici interpreti e collaboratori con i quali ho lavorato. Sono fortunata di poterli chiamare spesso amici, e sono profondamente grata per queste relazioni. La fiducia porta a maggiore coraggio.
Attualmente stai preparando un brano per Yaron Deutsch, DA’AT, per l’ECLAT Festival.
In DA’AT, esplorerò più a fondo il concetto di polifonia interiore, lavorando con diversi strati sonori e mescolando il rumore con il pitch. Mi immergerò ancora nella microtonalità, cercando il conflitto tra gli armonici e la bellezza dell’instabilità o della fragilità nell’armonia. Sto anche cercando di esplorare uno spazio più silenzioso in questo pezzo, ma non sono ancora certa di come si materializzerà completamente.
Parli spesso di letteratura e pittura come le tue principali fonti di ispirazione, influenzata da tua madre, la pittrice Elisabeth Naomi Reuter. In che modo la tua musica cambia quando fai riferimento a una forma d’arte diversa dalla musica?
Essere circondata dall’arte di mia madre durante la mia infanzia e successivamente nella mia vita ha avuto un impatto significativo sulla mia musica. Tuttavia, ho capito veramente questa influenza solo dopo la sua morte. In generale, letteratura e pittura sono importanti per me, così come altre forme d’arte, esperienze e temi. Il tutto avviene in modo naturale. Tuttavia, la musica e il suono rimangono il nucleo. Un riferimento non dovrebbe mai essere qualcosa di superficiale o semplicemente aggiunto; deve essere profondamente intrecciato. Mi piace provare a tradurre elementi non musicali nella mia musica per vedere cosa succede e permettere alla mia lingua musicale di crescere. Attraverso altre forme d’arte, posso trovare suoni, forme, texture o concetti che altrimenti non avrei mai considerato.
E’ un tema vasto. Sto anche scrivendo opere (che, tra l’altro, includono la chitarra elettrica nelle mie composizioni!).
Da circa dieci anni, incorpori la musica elettronica in molte delle tue opere, utilizzandola come un ponte per connetterti con gli strumenti; spesso includi materiale audiovisivo. Come vedi il futuro della musica di Sarah Nemtsov?
Non ne ho idea, per fortuna. Al momento, mi sto concentrando di nuovo sulla tonalità e sull’armonia, ma con un senso di trasformazione. Per lungo tempo, pensavo in termini di strati, ma ora sembra essere diverso, anche se è difficile da descrivere—quasi come se la polifonia avvenisse in modo più verticale, più profondo, con tutto che ha una diversa ampiezza rispetto a prima. Tuttavia, la relazione tra suoni acustici ed elettronici mi affascina ancora, e c’è ancora tanto da esplorare. Mentre lavoro sugli aspetti più vulnerabili del suono, cerco suoni simili a quelli elettronici all’interno di strumenti acustici o ensemble. Spero di scrivere molto di più per orchestra nei prossimi anni.
Grazie per il vostro interesse nella mia musica.
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